Pourquoi avons-nous besoin de la Théorie de l'art?
La peinture a deux aspects, la source d'inspiration / conceptuelle / esthétique et l'artisanat. Les deux sont nécessaires si le travail est d'aller à plaire à l'observateur averti. Ils sont aussi interdépendants. De nouvelles techniques d'encourager de nouvelles perspectives, et vice versa.
Art esthétique est la philosophie de l'art, et cherche naturellement à arriver à des déclarations au sujet de la représentation, une forme cohérente, l'expression émotive et la finalité sociale qui sont universellement vrai, indépendamment du contexte et haut-parleur. Malheureusement, cette généralité même signifie que l'esthétique peut souvent être utilisée pour justifier un morceau très douteux de travail.
Mais l'esthétique n'est pas l'examen, et la critique d'art encore moins. La critique se demande: Comment est-ce l'effet obtenu? Quelle est l'importance est-il? Comment se comparent-ils à des travaux similaires? La critique est une tâche ardue, et nécessite des compétences de connaissances, de sensibilité et de l'exposé. Révision est plus éphémère, et vise principalement à divertir. Compétences journalistiques sont essentiels, mais ils ne sont généralement pas déstabiliser ou d'étendre notre appréciation des œuvres d'art. En effet, les pressions de l'emploi nécessite souvent l'examinateur d'accepter simplement l'importance de l'exposition, et il recommande à la population.
Cela ne veut pas faire de critiques sincères, ni nécessairement fiables. La plupart auront un ou deux degrés dans l'histoire de l'art, et en savent beaucoup plus sur les même vieux maîtres que le spectateur galerie moyenne, peintres inclus. Mais cela veut dire, pour rester en tête dans une profession notoirement concurrentiel, que les examinateurs doivent toujours se préoccuper de tendances, des modes et des personnalités.
Il est en formant un socle théorique pour le monde complexe et en constante évolution des arts visuels, que l'esthétique devient important. Revoir repose en définitive sur la critique d'art, et ce, à son tour les sondes motifs esthétiques de notre jugement.
Importance pratique de l'esthétique Art
Pour le peintre pratique, une connaissance hochant la tête avec l'esthétique d'art aidera à:
1. Fournir un vocabulaire nécessaire pour décrire ou la promotion du travail entre les collègues et les commentateurs. Pour en savoir esthétique est de comprendre d'où la critique branchée vient de - et ainsi de s'engager avec elle ou de préparer une défense.
2. Expliquez leur travail à eux-mêmes. Peintres pense à travers la peinture, mais encore ils ont besoin de temps en temps prendre du recul et de voir leur travail dans le contexte plus large de l'art européen.
3. Repenser leurs buts et intérêts. L'esthétique de l'art contemporain, bien que reposant sur un terrain conflictuel, fournissent généralement plus de la suggestion et l'inspiration de l'abstrus mot-filature de revues d'art.
4. Mieux comprendre l'art du passé, qui est éclairée par des théories qui peuvent désormais sembler étrange, mais peut être modifié pour des préoccupations contemporaines.
5. Servir comme un prophylactique contre l'. Absurde et abrutissante, le rétablissement d'une solide tradition à laquelle appartiennent tous les artistes
6. Proposer de nouvelles avenues de développement, qui peuvent combiner des techniques passées avec de nouvelles perspectives.
Les théories esthétiques
Théories esthétiques peut être approché à partir de nombreuses directions. Voici une introduction simpliste, pointant vers le haut les noms que les téléspectateurs pourraient souhaiter faire des recherches dans des livres ou sur Internet.
Artiste-Centered Philosophies
Dewey et intentionnalistes autres considéré l'art comme le produit d'un processus créatif. L'intention consciente de l'artiste était important, tout comme son interaction avec le milieu. Tolstoï a vu l'art comme la transmission de l'émotion, mais il voulait sans doute dire la capacité à susciter des émotions chez le spectateur car il n'y a pas de correspondance simple entre une peinture et comment le peintre a ressenti en le peignant. Bouwsma situé expression au sein des objets, qui représentent les caractéristiques des personnes en vertu de certaines émotions, comme des saules pleureurs imiter la douleur.
Langer ressenti ce sentiment se dégage de la forme, qui sont des idées de sentiments, pas des sentiments eux-mêmes. Art symbolise l'expérience humaine. Parce que l'art était essentiellement une activité irrationnelle, une expression de l'émotion irresponsable, Platon interdit poètes de sa république. Aristote n'était pas d'accord, répondant que l'art était une activité naturelle, et il a servi de catharsis une fonction thérapeutique. Croce pensait l'élément crucial dans une œuvre d'art était l'idée à l'esprit de l'artiste.
Viewer théories axées
Certains philosophes ont souligné le goût, qui est une clairvoyance particulière et de la sensibilité. Préoccupations quotidiennes sont mis de côté en ces occasions, et nous n'avons pas appeler la police quand on voit assassiner sur la scène, par exemple. Feagin pensé que nous sentons le plaisir d'être en mesure de répondre de cette manière. Iseminger a estimé que la tristesse existe simultanément avec le plaisir. Bullough parlé underdistancing et se overdistancing d'une exécution ou œuvre d'art. Contre une vision esthétique, Dickie a fait valoir que les téléspectateurs tout simplement regarder les choses différentes, c'est à dire plutôt que de regarder différemment.
D'autres se sont concentrés sur les qualités formelles d'une œuvre d'art. Nous assistons différemment à des choses comme la couleur, le rythme et la composition, mais attendez-vous à grandir de l'intérieur plutôt que d'être imposée de l'extérieur. L'expérience esthétique semble immédiate, d'ailleurs, sans passer par la pensée, si Goodman pensé que même ici, les émotions fonctionné cognitif.
Philosophies de représentation et d'expression
La plupart des philosophes d'accepter que la représentation n'est pas la ressemblance. Gombrich a soutenu que la représentation visuelle consiste à manipuler des signes, de sorte que le langage de l'art est plus qu'une métaphore lâche. Signes ont une histoire, une tradition: ils doivent être apprises. Panofsky estime que les icônes de l'art peuvent être étudiés sur trois niveaux: iconique (le chien ressemble à un chien), l'iconographie (chien est synonyme de fidélité), et iconologique (certains prétendent métaphysique sur la réalité du monde physique). Goodman a rejeté la théorie de la ressemblance, mais ont préféré un denotion: symboles utilisés dans la peinture peut être arbitraire et conventionnel, mais en regardant la peinture signifiait démêler un code.
Philosophies d'objets artistiques et leurs contextes
Philosophes formalistes ressortir les propriétés intrinsèques de l'œuvre d'art plutôt que ce qu'elle représente, si la défense de l'art moderne contre les critiques qu'il ne représente pas le monde tel qu'il apparaît vraiment. Néanmoins, de nombreux tableaux ne représentent certains aspects de la vie ou de transmettre une attitude ou un message, et il est inutile de supposer qu'ils ne le font pas ou n'étaient pas destinées à. Questions de contenu.
Philosophes marxistes voir l'art comme produit dans certaines conditions sociales et soutiennent qu'il doit être vu en termes de ces conditions. Berger pense que peintures à l'huile sont des produits qui représentent une société consumériste. Benjamin a également estimé que la culture l'art miroirs.
Institutionnalistes comme Dickie a souligné que l'objet devient une œuvre d'art lorsque la société ou des sections reconnues de la société confèrent ce statut à ce sujet. Cohen ne vois pas les rituels de conférer n'importe où, et Wollheim n'a pas pu trouver des raisons pour une telle attribution. Danto a introduit le monde de l'art terme, mais a déclaré que le candidat doit se conformer à une théorie sur ce qu'est l'art.
Les structuralistes affirment que les oeuvres ont leurs propres structures, mais que ceux-ci reflètent également les structures de la société dont ils sont originaires. Déconstructionnistes affirmer que, bien au contraire, nous n'avons tout simplement pas avoir accès à tous les contextes nécessaires à la compréhension de l'art et l'expérience esthétique. Ils essaient de mettre en évidence les principes idéologiques à l'œuvre dans les textes et les paroles, et de réfléchir sur le pouvoir inhérent dans les états artistiques et autres.
Les philosophies de l'interprétation
Comment pouvons-nous savoir si une interprétation est bonne, ou même correcte? Peut-être nous ne pouvons pas savoir avec certitude, en particulier les intentions d'un artiste peu connu maintenant mort depuis longtemps, mais nous pouvons dire des résultats d'interprétation qui en plus ample, plus riche expérience esthétique. Ellis pense que la meilleure critique a été le plus inclusif. Les téléspectateurs ne peuvent pas être motivée dans le plaisir, il est noing valeur, seules raisons suggérées pour le plaisir déjà éprouvé.
Philosophies de la valeur
Tolstoï était un moraliste: l'art a eu pour nous aider à mieux vivre. Ceux qui ont lu les bons romans ou regardé bonnes peintures étaient plus capables de se mettre dans la peau d'autres personnes parce qu'ils comprennent mieux les habitants et leur monde. Art nous a rendus plus sensible et imaginatif. Eaton propose une distinction. L'expérience esthétique est une expérience des caractéristiques intrinsèques de choses ou des événements traditionnellement reconnus comme dignes d'attention et de réflexion. La valeur esthétique est la valeur d'une chose ou un événement a fait de sa capacité à évoquer les plaisirs associés à son attention et de réflexion.
Fonction traditionnelle de l'art
En acceptant que les arts ont une. s'il vous plaît l'oeil, b. clarifier, d'intensifier ou autrement élargir notre expérience de la vie, et c. agir comme témoin à la nature des temps et des lieux qui les produisent, nombreux sont ceux qui résument les fonctions de l'art comme:
1. Peinture sont des représentations de la réalité qui donnent l'ordre, la valeur et la signification à des objets ou des scènes représentées.
2. Les objets et les scènes deviennent disponibles sous cette forme par l'intermédiaire de l'inscription.
3. Les objets et les scènes sont eux-mêmes de l'intérêt visuel - à la fois à travers des tableaux précédents, et les lieux de la société de valeur sur les soi. Le contenu et le rendu sont importants.
Peinture traditionnelle Aujourd'hui
Peinture directe était une innovation du XIXe siècle, rendu possible par les nouvelles technologies et imposé par un rétrécissement du marché du travail à forte intensité de matières premières. Peinture pourrait être stocké dans des tubes métalliques, et en travaillant à l'extérieur, ou sur des sujets contemporains, l'artiste pouvait échapper au système Académie étouffante. Dans le même temps, parce que les classes moyennes émergentes n'avait pas l'argent pour élitiste fabrique, ni peut-être le loisir d'acquérir une grande connaissance de les apprécier, il a grandi naturellement une classe de critiques d'art de suggérer comment ils pourraient recueillir ces œuvres d'amitié et de modestes de l'art. Les mécaniciens de la peinture n'est pas un sujet passionnant pour écrire, et les critiques d'art ne sont pas généralement des artistes de toute façon, sauf peut-être des artistes littéraires, de sorte que les qualités picturales étaient susceptibles d'être négligés. Originalité de la conception, l'authenticité d'expression, l'audace de la démarche - voilà ce qui a capturé l'imagination des critiques intelligents, et pourrait être lié à des thèmes plus vastes. Toute l'histoire de l'art moderne permettra de présenter les batailles et les perspectives changeantes qui mènent à l'art-monde que nous connaissons aujourd'hui. Le processus est terminé, et une grande partie de l'art est devenu le jouet de ses commentateurs. Les compétences traditionnelles ne sont pas reconnus dans la presse nationale, qui rapsodizes plus des installations, des sculptures du paysage et ainsi de suite.
Peu de gens peuvent se prendre en charge entièrement par la peinture traditionnelle: ils enseignent, recevoir de l'aide de leur conjoint ou d'exécuter d'art des magasins. Mais s'ils ne peuvent pas payer leur chemin dans une société consumériste, ils aiment à penser que leurs réalisations en valent la peine, qu'ils produisent quelque chose d'utile et qui leur compagnons de pratique peut admirer. Que peuvent-ils faire quand leurs efforts ne recevra jamais approbation d'un établissement qui adore l'art à d'autres sanctuaires? Ou quand ils ne seront jamais achetés par les grandes institutions ou sociétés qui par la manipulation des fonds publics doivent être guidés par ces autorités?
Ils doivent créer un nouveau public de leurs œuvres, tout comme les impressionnistes et Modernes ont fait avant eux. Cela signifie que le retour à la peinture comme la peinture, la réappropriation de ses objectifs à partir d'une intelligentsia dont la puissance réside dans la manipulation des concepts qui empiètent qu'accessoirement sur les objets d'art. Pas de magie-à-dire permettra à la critique d'art de dire le bien du indifférents dans la peinture. Cette capacité provient d'un amour profond du sujet, soutenu par des années d'expérience à la recherche et de première main. Le bon critique ne sait pas seulement ce qui est bon et mauvais dans un tableau, mais la façon dont le mal ne peut être mis à droite. Un bon départ pour que la connaissance est fourni par l'expérience de la peinture, plus particulièrement avec les méthodes des maîtres établis qui se sont rencontrés des problèmes pratiques avec des solutions pratiques.
Peinture à l'huile revitalisé ne sera pas un art du passé. Il ne devrait pas être académique, où une finition omniprésent et l'attention au détail qui rend le travail trop serré et l'auto-conscience. Les grands maîtres étaient novatrices en leur temps, et doit donc être l'artiste contemporain. Mais ce que les artistes graves pourraient utilement faire est de réexaminer les méthodes passées de peinture à l'huile. Ils ne sont pas limitatifs dans le thème. Ils n'empêchent pas l'originalité. Et ils ne sont pas toujours beaucoup de temps. Titien peut avoir été un travailleur lent, mais ses démarches ont été simplifiées pour l'exécution rapide du Tintoret et de Véronèse, qui avait appuyant sur commissions à remplir. Quelque chose de semblable pourrait être réalisé par des artistes contemporains, et des œuvres créées qui méritent d'être conservés précieusement. Depuis tous les travaux d'origine est difficile à vendre dans un premier temps, jusqu'à ce que promu par les critiques et les galeries d'art, il ya tout intérêt à peindre deux toiles remarquables en place de dix celles plutôt indifférents, et de parvenir à cette fin plus facilement avec les techniques variées et puissante de peintres antérieurs.
monte escalier
La peinture a deux aspects, la source d'inspiration / conceptuelle / esthétique et l'artisanat. Les deux sont nécessaires si le travail est d'aller à plaire à l'observateur averti. Ils sont aussi interdépendants. De nouvelles techniques d'encourager de nouvelles perspectives, et vice versa.
Art esthétique est la philosophie de l'art, et cherche naturellement à arriver à des déclarations au sujet de la représentation, une forme cohérente, l'expression émotive et la finalité sociale qui sont universellement vrai, indépendamment du contexte et haut-parleur. Malheureusement, cette généralité même signifie que l'esthétique peut souvent être utilisée pour justifier un morceau très douteux de travail.
Mais l'esthétique n'est pas l'examen, et la critique d'art encore moins. La critique se demande: Comment est-ce l'effet obtenu? Quelle est l'importance est-il? Comment se comparent-ils à des travaux similaires? La critique est une tâche ardue, et nécessite des compétences de connaissances, de sensibilité et de l'exposé. Révision est plus éphémère, et vise principalement à divertir. Compétences journalistiques sont essentiels, mais ils ne sont généralement pas déstabiliser ou d'étendre notre appréciation des œuvres d'art. En effet, les pressions de l'emploi nécessite souvent l'examinateur d'accepter simplement l'importance de l'exposition, et il recommande à la population.
Cela ne veut pas faire de critiques sincères, ni nécessairement fiables. La plupart auront un ou deux degrés dans l'histoire de l'art, et en savent beaucoup plus sur les même vieux maîtres que le spectateur galerie moyenne, peintres inclus. Mais cela veut dire, pour rester en tête dans une profession notoirement concurrentiel, que les examinateurs doivent toujours se préoccuper de tendances, des modes et des personnalités.
Il est en formant un socle théorique pour le monde complexe et en constante évolution des arts visuels, que l'esthétique devient important. Revoir repose en définitive sur la critique d'art, et ce, à son tour les sondes motifs esthétiques de notre jugement.
Importance pratique de l'esthétique Art
Pour le peintre pratique, une connaissance hochant la tête avec l'esthétique d'art aidera à:
1. Fournir un vocabulaire nécessaire pour décrire ou la promotion du travail entre les collègues et les commentateurs. Pour en savoir esthétique est de comprendre d'où la critique branchée vient de - et ainsi de s'engager avec elle ou de préparer une défense.
2. Expliquez leur travail à eux-mêmes. Peintres pense à travers la peinture, mais encore ils ont besoin de temps en temps prendre du recul et de voir leur travail dans le contexte plus large de l'art européen.
3. Repenser leurs buts et intérêts. L'esthétique de l'art contemporain, bien que reposant sur un terrain conflictuel, fournissent généralement plus de la suggestion et l'inspiration de l'abstrus mot-filature de revues d'art.
4. Mieux comprendre l'art du passé, qui est éclairée par des théories qui peuvent désormais sembler étrange, mais peut être modifié pour des préoccupations contemporaines.
5. Servir comme un prophylactique contre l'. Absurde et abrutissante, le rétablissement d'une solide tradition à laquelle appartiennent tous les artistes
6. Proposer de nouvelles avenues de développement, qui peuvent combiner des techniques passées avec de nouvelles perspectives.
Les théories esthétiques
Théories esthétiques peut être approché à partir de nombreuses directions. Voici une introduction simpliste, pointant vers le haut les noms que les téléspectateurs pourraient souhaiter faire des recherches dans des livres ou sur Internet.
Artiste-Centered Philosophies
Dewey et intentionnalistes autres considéré l'art comme le produit d'un processus créatif. L'intention consciente de l'artiste était important, tout comme son interaction avec le milieu. Tolstoï a vu l'art comme la transmission de l'émotion, mais il voulait sans doute dire la capacité à susciter des émotions chez le spectateur car il n'y a pas de correspondance simple entre une peinture et comment le peintre a ressenti en le peignant. Bouwsma situé expression au sein des objets, qui représentent les caractéristiques des personnes en vertu de certaines émotions, comme des saules pleureurs imiter la douleur.
Langer ressenti ce sentiment se dégage de la forme, qui sont des idées de sentiments, pas des sentiments eux-mêmes. Art symbolise l'expérience humaine. Parce que l'art était essentiellement une activité irrationnelle, une expression de l'émotion irresponsable, Platon interdit poètes de sa république. Aristote n'était pas d'accord, répondant que l'art était une activité naturelle, et il a servi de catharsis une fonction thérapeutique. Croce pensait l'élément crucial dans une œuvre d'art était l'idée à l'esprit de l'artiste.
Viewer théories axées
Certains philosophes ont souligné le goût, qui est une clairvoyance particulière et de la sensibilité. Préoccupations quotidiennes sont mis de côté en ces occasions, et nous n'avons pas appeler la police quand on voit assassiner sur la scène, par exemple. Feagin pensé que nous sentons le plaisir d'être en mesure de répondre de cette manière. Iseminger a estimé que la tristesse existe simultanément avec le plaisir. Bullough parlé underdistancing et se overdistancing d'une exécution ou œuvre d'art. Contre une vision esthétique, Dickie a fait valoir que les téléspectateurs tout simplement regarder les choses différentes, c'est à dire plutôt que de regarder différemment.
D'autres se sont concentrés sur les qualités formelles d'une œuvre d'art. Nous assistons différemment à des choses comme la couleur, le rythme et la composition, mais attendez-vous à grandir de l'intérieur plutôt que d'être imposée de l'extérieur. L'expérience esthétique semble immédiate, d'ailleurs, sans passer par la pensée, si Goodman pensé que même ici, les émotions fonctionné cognitif.
Philosophies de représentation et d'expression
La plupart des philosophes d'accepter que la représentation n'est pas la ressemblance. Gombrich a soutenu que la représentation visuelle consiste à manipuler des signes, de sorte que le langage de l'art est plus qu'une métaphore lâche. Signes ont une histoire, une tradition: ils doivent être apprises. Panofsky estime que les icônes de l'art peuvent être étudiés sur trois niveaux: iconique (le chien ressemble à un chien), l'iconographie (chien est synonyme de fidélité), et iconologique (certains prétendent métaphysique sur la réalité du monde physique). Goodman a rejeté la théorie de la ressemblance, mais ont préféré un denotion: symboles utilisés dans la peinture peut être arbitraire et conventionnel, mais en regardant la peinture signifiait démêler un code.
Philosophies d'objets artistiques et leurs contextes
Philosophes formalistes ressortir les propriétés intrinsèques de l'œuvre d'art plutôt que ce qu'elle représente, si la défense de l'art moderne contre les critiques qu'il ne représente pas le monde tel qu'il apparaît vraiment. Néanmoins, de nombreux tableaux ne représentent certains aspects de la vie ou de transmettre une attitude ou un message, et il est inutile de supposer qu'ils ne le font pas ou n'étaient pas destinées à. Questions de contenu.
Philosophes marxistes voir l'art comme produit dans certaines conditions sociales et soutiennent qu'il doit être vu en termes de ces conditions. Berger pense que peintures à l'huile sont des produits qui représentent une société consumériste. Benjamin a également estimé que la culture l'art miroirs.
Institutionnalistes comme Dickie a souligné que l'objet devient une œuvre d'art lorsque la société ou des sections reconnues de la société confèrent ce statut à ce sujet. Cohen ne vois pas les rituels de conférer n'importe où, et Wollheim n'a pas pu trouver des raisons pour une telle attribution. Danto a introduit le monde de l'art terme, mais a déclaré que le candidat doit se conformer à une théorie sur ce qu'est l'art.
Les structuralistes affirment que les oeuvres ont leurs propres structures, mais que ceux-ci reflètent également les structures de la société dont ils sont originaires. Déconstructionnistes affirmer que, bien au contraire, nous n'avons tout simplement pas avoir accès à tous les contextes nécessaires à la compréhension de l'art et l'expérience esthétique. Ils essaient de mettre en évidence les principes idéologiques à l'œuvre dans les textes et les paroles, et de réfléchir sur le pouvoir inhérent dans les états artistiques et autres.
Les philosophies de l'interprétation
Comment pouvons-nous savoir si une interprétation est bonne, ou même correcte? Peut-être nous ne pouvons pas savoir avec certitude, en particulier les intentions d'un artiste peu connu maintenant mort depuis longtemps, mais nous pouvons dire des résultats d'interprétation qui en plus ample, plus riche expérience esthétique. Ellis pense que la meilleure critique a été le plus inclusif. Les téléspectateurs ne peuvent pas être motivée dans le plaisir, il est noing valeur, seules raisons suggérées pour le plaisir déjà éprouvé.
Philosophies de la valeur
Tolstoï était un moraliste: l'art a eu pour nous aider à mieux vivre. Ceux qui ont lu les bons romans ou regardé bonnes peintures étaient plus capables de se mettre dans la peau d'autres personnes parce qu'ils comprennent mieux les habitants et leur monde. Art nous a rendus plus sensible et imaginatif. Eaton propose une distinction. L'expérience esthétique est une expérience des caractéristiques intrinsèques de choses ou des événements traditionnellement reconnus comme dignes d'attention et de réflexion. La valeur esthétique est la valeur d'une chose ou un événement a fait de sa capacité à évoquer les plaisirs associés à son attention et de réflexion.
Fonction traditionnelle de l'art
En acceptant que les arts ont une. s'il vous plaît l'oeil, b. clarifier, d'intensifier ou autrement élargir notre expérience de la vie, et c. agir comme témoin à la nature des temps et des lieux qui les produisent, nombreux sont ceux qui résument les fonctions de l'art comme:
1. Peinture sont des représentations de la réalité qui donnent l'ordre, la valeur et la signification à des objets ou des scènes représentées.
2. Les objets et les scènes deviennent disponibles sous cette forme par l'intermédiaire de l'inscription.
3. Les objets et les scènes sont eux-mêmes de l'intérêt visuel - à la fois à travers des tableaux précédents, et les lieux de la société de valeur sur les soi. Le contenu et le rendu sont importants.
Peinture traditionnelle Aujourd'hui
Peinture directe était une innovation du XIXe siècle, rendu possible par les nouvelles technologies et imposé par un rétrécissement du marché du travail à forte intensité de matières premières. Peinture pourrait être stocké dans des tubes métalliques, et en travaillant à l'extérieur, ou sur des sujets contemporains, l'artiste pouvait échapper au système Académie étouffante. Dans le même temps, parce que les classes moyennes émergentes n'avait pas l'argent pour élitiste fabrique, ni peut-être le loisir d'acquérir une grande connaissance de les apprécier, il a grandi naturellement une classe de critiques d'art de suggérer comment ils pourraient recueillir ces œuvres d'amitié et de modestes de l'art. Les mécaniciens de la peinture n'est pas un sujet passionnant pour écrire, et les critiques d'art ne sont pas généralement des artistes de toute façon, sauf peut-être des artistes littéraires, de sorte que les qualités picturales étaient susceptibles d'être négligés. Originalité de la conception, l'authenticité d'expression, l'audace de la démarche - voilà ce qui a capturé l'imagination des critiques intelligents, et pourrait être lié à des thèmes plus vastes. Toute l'histoire de l'art moderne permettra de présenter les batailles et les perspectives changeantes qui mènent à l'art-monde que nous connaissons aujourd'hui. Le processus est terminé, et une grande partie de l'art est devenu le jouet de ses commentateurs. Les compétences traditionnelles ne sont pas reconnus dans la presse nationale, qui rapsodizes plus des installations, des sculptures du paysage et ainsi de suite.
Peu de gens peuvent se prendre en charge entièrement par la peinture traditionnelle: ils enseignent, recevoir de l'aide de leur conjoint ou d'exécuter d'art des magasins. Mais s'ils ne peuvent pas payer leur chemin dans une société consumériste, ils aiment à penser que leurs réalisations en valent la peine, qu'ils produisent quelque chose d'utile et qui leur compagnons de pratique peut admirer. Que peuvent-ils faire quand leurs efforts ne recevra jamais approbation d'un établissement qui adore l'art à d'autres sanctuaires? Ou quand ils ne seront jamais achetés par les grandes institutions ou sociétés qui par la manipulation des fonds publics doivent être guidés par ces autorités?
Ils doivent créer un nouveau public de leurs œuvres, tout comme les impressionnistes et Modernes ont fait avant eux. Cela signifie que le retour à la peinture comme la peinture, la réappropriation de ses objectifs à partir d'une intelligentsia dont la puissance réside dans la manipulation des concepts qui empiètent qu'accessoirement sur les objets d'art. Pas de magie-à-dire permettra à la critique d'art de dire le bien du indifférents dans la peinture. Cette capacité provient d'un amour profond du sujet, soutenu par des années d'expérience à la recherche et de première main. Le bon critique ne sait pas seulement ce qui est bon et mauvais dans un tableau, mais la façon dont le mal ne peut être mis à droite. Un bon départ pour que la connaissance est fourni par l'expérience de la peinture, plus particulièrement avec les méthodes des maîtres établis qui se sont rencontrés des problèmes pratiques avec des solutions pratiques.
Peinture à l'huile revitalisé ne sera pas un art du passé. Il ne devrait pas être académique, où une finition omniprésent et l'attention au détail qui rend le travail trop serré et l'auto-conscience. Les grands maîtres étaient novatrices en leur temps, et doit donc être l'artiste contemporain. Mais ce que les artistes graves pourraient utilement faire est de réexaminer les méthodes passées de peinture à l'huile. Ils ne sont pas limitatifs dans le thème. Ils n'empêchent pas l'originalité. Et ils ne sont pas toujours beaucoup de temps. Titien peut avoir été un travailleur lent, mais ses démarches ont été simplifiées pour l'exécution rapide du Tintoret et de Véronèse, qui avait appuyant sur commissions à remplir. Quelque chose de semblable pourrait être réalisé par des artistes contemporains, et des œuvres créées qui méritent d'être conservés précieusement. Depuis tous les travaux d'origine est difficile à vendre dans un premier temps, jusqu'à ce que promu par les critiques et les galeries d'art, il ya tout intérêt à peindre deux toiles remarquables en place de dix celles plutôt indifférents, et de parvenir à cette fin plus facilement avec les techniques variées et puissante de peintres antérieurs.
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