Histoire de l'Art: Thèmes
Les peintures sont des produits d'un certain temps et certain endroit, et histoire de l'art tente naturellement de placer ces oeuvres dans leur cadre plus large. Quiconque étudie l'art occidental, par exemple, apprendre à reconnaître les styles de la Renaissance, baroque, périodes classique, romantique et moderne, et de comprendre l'interaction complexe des questions pensée, le favoritisme, la société économique et que les peintures représentent. Il est à une telle compréhension que les critiques d'art se référer quand ils insistent pour que l'art d'aujourd'hui doit aborder les problèmes contemporains.
Pour les peintres, il ya certaines difficultés, cependant:
1. L'histoire est écrite de manière rétrospective, et il n'était pas toujours très claire pour les contemporains qui ou qui étaient les grands noms et des thèmes.
2. L'image est trop bien rangé, et ne permet pas pour le travail très différent au sein de la même période: Rubens, Rembrandt et Vermeer, par exemple.
3. Histoire de l'art est également soumise à l'évolution des modes: comparer les livres écrits dans les années 1940 à celles d'aujourd'hui.
4. Par des artistes classement selon leur importance, les historiens semblent parfois laisser entendre que seuls les grands noms offrir quelque chose d'intéressant aujourd'hui, ce qui est loin d'être le cas. Les grands artistes excellaient à certains égards, mais aussi en fondant et bâcle dans leur travail comme tout le monde. Les élèves ont besoin pour obtenir, sous les étiquettes de génie'' ', et de comprendre les discrets, les questions pratiques en cause.
5. Histoire de l'art traite de concepts qui sont nébuleux et d'une importance secondaire par rapport à l'application de la peinture. Quels sont les artistes concernés vitale - la création d'une réalité picturale qui a fourni de l'emploi, la direction et la signification à leur vie - exige une autre approche.
5. L'écriture est un exercice verbal, et les peintres penser en termes plus visuels. C'est pourquoi les artistes contemporains ne sont généralement pas lire les textes de présentation galerie ou articles de journaux: ils sont de peu d'utilité pour eux.
L'art occidental: Un développement Quatre-Fold
Bien que n'étant pas sans ses problèmes propres, et un peu trop simple, Brian Thomas {5} approche a tenté de traiter avec de la peinture comme la peinture. Il a regroupé l'histoire de la peinture européenne en quatre étapes qui se chevauchent:
Conception de la ligne
Tissé sur les relations de forme et de contour. Dominant entre le déclin de l'Empire romain et de la Renaissance. Peut-être irréaliste (Livre d'Heures) ou réaliste (gothique flamand). Lisible élément distinct de l'illusionniste. Stéréotype et non-personnelles symboles généralement employés. Décrit soulignée par les changements de couleur. Domaines remplie par le modèle. Populaire pour la narration, lorsque les caractéristiques pertinentes de la narration sont omis. La géométrie cachée important. Flowing coups de pinceau seulement dans illuminé MSS (contrairement à l'art extrême-oriental.) Développement de la fin romaine pour byzantin et du gothique n'est pas basée sur l'observation directe. Les symboles sont déformés pour effet religieux. Artistes importants figurant à la fin de la période comprennent:
Jan van Eyck. Peint directe de la nature, l'illusion de capture de l'espace et modèle de la lumière et les relations de tonalité. A travaillé par
la lumière de modélisation et de l'ombre en pigment opaque (probablement oeuf-huile)
couvrant d'un vernis plus ou moins transparente, et
travailler plus côté de la lumière et les ombres des formes demi dans les films minces de peinture opaque.
Holbein. A travaillé par:
Interprétation forme par des lignes de contour d'une grande simplicité et la subtilité. Lignes construites des lignes courtes infiniment sensibles aux changements dans la direction des plans de surface.
Alliant une mise à plat et le rendu réaliste de la qualité de surface de vêtements et de chair.
Création d'un formulaire
Impliqué dans la troisième dimension, souvent en cours d'exécution en contrepoint à une conception de la ligne ainsi. À la fois décoratif et descriptive. Des motifs complexes et subtiles constituées par imbrication des formes dans l'espace, ce qui accélère, ralentit et l'arrêt de la récession comme vous le souhaitez. Artiste étudié la nature à élucider la construction des formes dans l'espace, et de les relier rythmiquement. La construction utilise ton ou en ligne, ce dernier indiquant linéaments axiales et en coupe. Perspective aide. Les artistes pensent à la ronde. Artistes importants:
Cimabue et Duccio rénové le mode byzantine.
Giotto et Cavallini introduit la conception de formulaire. Giotto observé la nature de près et utilisée sous forme large-conception pour créer monumentales et émouvant tableaux vivants.
Masaccio distribué avec un contour raide de Giotto et utilisé une gradation tonale de placer ses personnages dans un contexte réaliste. Tonalités en raison de la couleur locale sont réprimées.
Piero della Francesca. En outre la maîtrise de la perspective - utilisé décorative, de prêter bien-fondé d'un motif de surface. Récession en sourdine et contrôlée. Les chiffres statiques.
Signorelli. Comme Masaccio, mais il a introduit une forte, la modélisation souvent overemphatic dans les deux lumières et les ombres, en exagérant la modélisation dans l'ombre en soulignant la lumière réfléchie.
Filippo Lippi et Botticelli a souligné lignes sinueuses dans minces, formes mobiles.
Pollaiuolo popularisé le nu, l'introduction de la force nerveuse dans la sculpture de Donatello.
Fra Angelico a réalistes ciel bleu dans l'usage général.
Giorgione a introduit l'atmosphère, un sentiment de la météo. Le but était de donner satisfaction durable de la contemplation prolongée, plutôt que l'émotion intense, mais passagère.
Leonardo. Variété des intérêts laisse peu de temps pour la peinture. D'importants travaux pour un. compréhension pénétrer de la construction des objets naturels, b. sensibilité à flot rythmique de formes dans la nature et c. subordination de la couleur à des gradations délicates de la lumière.
Michel-Ange. Représenté vigoureuse, l'action contrastée dans muscles de enflement et de se balancer draperies. Modélisation subtile, mais souvent figure principale silhouette dans de forts contrastes de tons.
Raphaël. Plus heureux que Michel-Ange dans l'architectonique de groupes de chiffres. Suprêmement artiste intelligent, apprendre des autres.
Corrège préfigure le style baroque. Formes lisses et arrondies, les rythmes suaves et vallonné, caressé avec un éclairage doux tout créer une ambiance - aidé par la qualité de la peinture, la tonalité, la couleur, la stylisation et le choix du motif.
Tiepolo était décorative, la création de complexes s'enchaînant de la ligne de "appartements de théâtre» et des chiffres raccourcies.
Poussin. Utilisé illustration comme un prétexte pour l'architecture picturale, parfaite en proportion et la rythmique. Le style sec, les sujets éloignés, mais il a évité la lourdeur par un. exagérer la luminosité et la lumière réfléchie dans l'ombre et b. jouer hors de forts contrastes de ton contre les subtiles.
Conception Tone
Destiné à un. créer un modèle satisfaisant à des degrés de lumière et d'ombre et de b. représentant la vérité perceptive de plus près par une certaine convention picturale qui représente la netteté variable de l'œil de la mise au point. A duré au début du 16ème début du 19ème siècle. Les artistes ont été plus préoccupés par le ton que la couleur. Lorsque cela est pertinent, comme dans la peinture vénitienne, la couleur est généralement utilisé de manière décorative. Volonté de sacrifier des détails dans les zones hors-sujet »signifiait que coup de pinceau vigoureux et pourrait libre, ajouter de la vie et de l'éclat à la peinture. Artistes importants:
Leonardo mélange décrit dans sa Mona Lisa.
Gentile Bellini et Giovani, en utilisant l'huile sur toile pour éviter l'effet corrosif de l'air marin, avait un bon sens de la qualité de la peinture qui a conduit à une appréciation des valeurs tonales.
Giorgione absorbée l'humeur poétique et l'amour des paysages de les Bellini, mais compose ses tableaux comme un tout, avec seulement détails comme cela a été nécessaire.
Titien atteint une maîtrise complète de tous les expédients de la conception ton - lentement, intuitivement, après beaucoup d'expérimentation et de tâtonnement. Il a créé un nouveau type de beauté féminine, utilisé plus riche, plus juteuse de couleur, classés selon son coup de pinceau à l'importance de ce qui était représenté, et utilisé une variété de moyens de composition, souvent de réduire la représentation à la simplicité extrême qui allait inspirer Velasquez et de Hals.
Tintoret a utilisé un éventail plus large de ton et un éclairage plus forcé.
Véronèse introduit un plus grand réalisme et somptueux, la couleur décorative
Caravage a créé un. réalisme brutal et la caractérisation vivante, b. contrastes marqués et c. humeur du drame et le mystère.
Rubens. Éclectique. Maître suprême du mouvement rythmique. Combiné avec réalisme la noblesse et de la décoration. Une grande vitalité et la créativité. Opulent couleur
El Greco. Rythmes fluides et hallucinatoire. Utilisé glaçures colorées plus monochrome.
Velázquez. Artiste consommé. Simplifié de couleur pour produire les modèles efficaces tonales. Peintre toujours efficace: interprète plutôt que crée.
Hals. Produit portraits animés par coup de pinceau vif, haute tonalité et les modes de tonalité nettes.
Vermeer. Grande sensibilité à la lumière, avec une souche de la poésie.
Rembrandt. Pris potentialités dramatiques et poétiques du Caravage à la limite. Grand sens de la forme. Artisan consommé. Compassion pour l'humanité souffrante.
Goya. Créateur. Concepteur de ton grand, mais souvent imprudente et précipitée, en utilisant le couteau et pinceau sec.
Van Dyck. Plus fébrile et hautain que Rubens: plus de raffinement et de poésie, mais utilisé une huile de noix plat qui réduit l'ampleur, la richesse et l'atmosphère de son mentor.
Watteau. Peint monde joyaux de l'imagination avec irisées, qualités atmosphériques que Van Dyck négligées. Dessins Graceful inégalées pour plus de clarté analytique.
Boucher. Scènes artificielles, de couleur légèrement acide, mais suavement classique et montrant un tact parfait artistiques.
Hogarth. Moraliste dont l'art est solidement fondée sur la conception ton baroque, avec un traitement particulièrement croustillante de la peinture.
Gainsborough. Peintre naturel. Travail est de jouer entre les films de peinture nébuleux dessinés avec la pointe du pinceau de martre et de passages osées de pinceau chargé. Peinture Thin exceptionnelle maîtrise du pinceau qui évite un mauvais aspect.
Reynolds. Excellé dans l'utilisation de ton décoratif. Couleur riche Ses discours parmi les meilleurs de la critique d'art. Manipulation de peinture fraîche était une source d'inspiration à l'agent et de l'école française, mais son expérimentation dans des matériaux est généralement malheureux.
Color Design
L'étape finale dans le cycle de réalisme pictural. Couleur avait toujours joué un rôle important dans la peinture, mais pas avant dix-neuvième siècle étaient des peintres prêts à faire des sacrifices drastiques sur ton et la délimitation précise. Harmony a été l'objet - réalisé par un certain rapport de saturation chaude et froide (rouge ou bleu biais) ou de la couleur (par exemple, un orange brillant, brun foncé, gris et rose chair tiède sont tout orange à l'état pur, réduit l'intensité sonore, désaturé et réduite en intensité et désaturé, respectivement - c.-à-orange avec rien, noir, gris ou blanc ajouté) Formulaire tendance à être perdu et intérieurs sombres ont été bannis pour les paysages lumineux.. Meilleure école de paysage était l'anglais de la première moitié du XIXe siècle - a contribué par des expériences de Rubens, des rendus atmosphériques de Poussin et de Claude et de motifs rustiques de peintres hollandais. Artistes importants:
Turner. Une connaissance inégalée du paysage dans des conditions météorologiques différentes. Maîtrise de la peinture et de l'imagination poétique.
Le gendarme. Un grand réalisme dans le dessin, la couleur et le ton, mais soutenue par des techniques de maîtres anciens.
Préraphaélites. Hectic réalisme. Sharp, dessin anguleux avec une grande précision de détail. Peint de couleurs sur fond blanc mince flocons mouillés.
Corot. Peint les zones largement grandes avec des tons très proches les uns des autres, puis partit cette subtilité avec des accents brillants de clair ou foncé croquant ajouté.
Courbet. Broad, la manipulation impressionniste avec un couteau brosse ou à la palette - conçu pour afficher la physicalité de la scène.
Manet. Adopté approche Hals, l'élaboration d'un résumé audacieux picturale dans le ton et la couleur de ce qu'il a observé. Coups de pinceau et racé pour compenser la perte de plus des techniques traditionnelles.
Impressionnistes. Beautés impitoyablement éliminés de façon linéaire ou tonal d'interpréter avec précision les couleurs de la lumière.
Seurat. Utilisée couleur brisée, placer des taches de couleur additif à fondre à une distance (jaune fait par des points de rouge et verte. Peintres traditionnellement utilisé couleur soustractive, la peinture filtrant autres longueurs d'onde)
Degas. Mordantly dessin incisif. Influencé par estampe japonaise et de la photographie.
Gauguin. Utilisez conception de la ligne de joindre des couleurs qui ressemblent à des régimes de plumage bariolé de perroquet.
Van Gogh. Couleur féroce et agité coups de pinceau pour transmettre sa perception des forces de la nature.
Cézanne. Peint directe de la nature à l'état presque mystique. J'ai essayé de concilier la couleur et en vrac par la modélisation à l'aide de dégradés de couleurs entièrement, plutôt que par le ton. Recherché harmonie dans une articulation logique des plans.
Twentieth-Century Developments
Au début du XXe siècle, cette évolution quadruple avait suivi son cours, laissant les artistes sans évidente avenue pour le développement (ni un véritable rôle dans la société). L'École de Paris a donc choisi l'expérimentation, la production de travaux avec les caractéristiques suivantes:
L'accent mis sur la décoration à la charge des éléments de représentation et de narration.
Le retour à la conception en ligne.
L'utilisation de belle couleur et d'audace
Influences absorbé par Negro, l'enfant et de l'art fou.
Manipulation simplifiée de la peinture au point de crudité pour atteindre la force et l'intensité plutôt que la précision ou l'élégance.
Malheureusement, cet art pourrait souvent être négligée dans l'exécution, et très maniérée, ses styles ne se développe pas à exprimer ou représenter un certain aspect du monde visible tant que imposé arbitrairement - c.-à-conçu pour montrer que le travail était agressive "moderne".
Art contemporain
Bien que difficile à définir ou caractériser, le postmoderne terme est habituellement utilisé pour envoyer des styles qui employaient 1950 techniques modernistes dans une humeur taquine de l'engagement avec la société. Le travail est généralement éclectique, commerciale et grandes entreprises, souvent grandiose. Société, en particulier la société bourgeoise, peut être critiqué, mais pas de programmes pour un changement radical sont recommandées: perspectives et des philosophies devraient coexister dans un monde pluraliste. Aspects du monde contemporain se retrouvent - le relativisme, le manque d'autorité ou de consensus, l'embarras de richesses intellectuelles, le consumérisme.
Mais si l'art tend à être populiste, il est aussi très conscient de ses pedigrees. Il peut mélanger les styles internationaux, ou peut être plus puriste, mais il fait peu de concessions à son public. La musique sérielle et la peinture abstraite, par exemple demander à être acceptés pour ce qu'ils sont, et aux artistes qui ont besoin de mesure du réseau de galeries-critique-musée de vendre leur travail, ils ont aussi besoin d'avoir leurs créations entourée et soutenue par un échafaudage théorique. Il n'est donc pas par la technique, des compétences, de formation ou rien à voir avec l'exécution ou l'exécution que l'importance doit être atteint, mais par la conception - l'originalité soit d'inspiration, ce qui est la seule chose unique à l'individu. Artiste formellement formés souvent utiliser leurs compétences pour supprimer les preuves de cette formation par la peinture d'une manière superficielle et maladroit.
Inévitablement, la grande masse de la critique d'art tend à devenir de promotion, d'auto-référencement et prétentieux. Les actes mêmes de critiques dans l'identification des oeuvres comme "abstrait-expressionniste», «minimaliste», etc est destiné à conjurer des questions mal informées quant à leur valeur: l'étiquetage protège de la critique. Artistes réalisent qu'ils ont besoin de se placer dans un arbre stylistique reconnu par l'establishment artistique, et de poursuivre ensuite dans un manière personnellement distinctif des préoccupations les plus en vogue. Les préoccupations ne sont pas essentiellement différents de ce qui a toujours des artistes intéressés - la profondeur de couleur, l'équilibre, la cinétique, modèle, geste, la texture, etc -, mais sont poursuivis de manière plus intransigeants et single-minded.
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