Peinture à l'huile: Toiles d'artistes

Peinture à l'huile Prise en charge

Pour l'exaspération du débutant, qui ne veut que de descendre à la peinture proprement dite, manuels commencent souvent par une discussion de ce qu'on appelle le soutien - le bois, toile ou panneau de fibres à laquelle la peinture est appliquée. Puis vient une autre dissertation sur le terrain la peinture, la couche d'apprêt qui a besoin de séparer le support de la peinture recouvrant.


Au sol et de soutien doivent être assez ferme pour supporter la peinture, mais pas rigide au point de provoquer des fissures. La surface doit être suffisamment poreux pour permettre à la peinture à adhérer, mais pas si absorbante que toutes les huiles sont aspirés. Comment est cet équilibre atteint? En utilisant des approches traditionnelles de préparation des toiles d'art - ils sont faciles à appliquer et économiser de l'argent - ou en modifiant l'article commerciale.

En fait à la fois le soutien et la terre sont des questions importantes. La peinture est une substance réactive et sera progressivement manger et détruire dans son soutien si des mesures de protection soient prises. Et non seulement ne prend en charge varient dans leur résistance à l'action chimique de peinture à l'huile, ils créent des surfaces très différentes sur ce qui à peindre. Il ya un monde de différence entre l'application de peinture sur une toile de lin bien préparé, et à composer avec la surface glissante de la pré-amorcée toile d'artiste à partir d'un magasin d'art local. Le produit local peut être pas cher et facilement disponible, mais trop souvent elle ne permet pas la peinture à être manipulés correctement, surtout si cette peinture provient d'un tube. Pousser la pâte dentifrice qui coule autour d'un feuille de verre peut être une description appropriée de la sorte de cauchemar que le peintre est confronté début.

Pourquoi ne pas les fournisseurs toile d'artiste fournir de bons produits pour commencer? Ils le font. En général, les matériaux d'artistes des compagnies offrent un excellent service, consciencieusement en équilibrant les besoins généraux contre ce que les clients paieront pour. Tous les ans des améliorations aux lignes anciennes, le lancement de nouveaux produits et de notes libres pour obtenir le meilleur d'eux. Non, le problème réside dans les clients - dont beaucoup sont des amateurs plutôt que des artisans, et ainsi de placer la commodité d'abord.

Je le répète: quand la peinture, le soutien et la terre ont tous été préparés aux exigences de l'artiste, puis la peinture devient un délice, celui qui doit être éprouvé pour être cru. Effets qui sont par ailleurs difficile, voire impossible à atteindre deviennent les compétences nécessaires au quotidien du peintre compagnon.
Types de soutien

Prise en charge doivent être solide, durable et stable: ils sont généralement regroupées comme suit:
Medium Density

Panneaux de fibres (masonite ou un panneau dur) est mieux que le bois, ce qui est mieux que le contreplaqué.
Matériaux légers

Le lin est meilleur que le coton, qui est mieux que la toile de jute. Prise en charge entièrement faite de coton vont s'étirer et se fissurer, d'ailleurs ne pas tenir l'amorçage ainsi. Toiles préparées sont de qualité variable.
Matériaux fragiles

Papier de coton à la main vaut mieux que le papier à la main, ce qui est mieux que la carte, ce qui est mieux que le papier collé sur des panneaux cartouche.
Stretching un Canvas

Panneaux de fibres (soit le côté rugueux ou lisse) doit être dimensionné et apprêté. Matériaux fragiles doivent être montés à bord. Toiles de fournir les meilleures surfaces, mais doivent d'abord être tendue. Étapes:

1. Achetez les pièces civière dans la taille requise, et de les assembler, si nécessaire appuyant sur les coins en angle droit avec un marteau. Vérifiez les angles sont de forme carrée.

2. Couper la toile ou en lin à la bonne taille, suffisante pour un ou deux pouces de chevauchement sur les barres de civière derrière. Assurez-vous que le grain de la toile est parallèle aux barres de civière.

3. Tendre la toile sur le cadre - bien, mais pas suffisante pour tirer le chassis de vrai. (Pinces en toile aidera.)

4. Fixer la toile à des intervalles de quelques centimètres sur le dos des châssis, soit par des punaises ou (mieux) par des agrafes. Pour ce faire, méthodiquement sorte que même une tension est maintenue à travers la toile.

5. Plier et la sellerie / agrafage en bas de la toile qui se chevauchent dans les coins arrière de la barre de civière.

6. Appuyez sur les coins en place, serrer la toile un peu.

7. Vérifiez à nouveau que les coins sont carrés civière et que le grain de la toile est parallèle aux bords de civière. Vous ne pouvez pas régler ceux-ci (ou d'utiliser des cales) une fois que la toile est de taille.

Les tailles








Sauf amorçage acrylique doit être utilisé (ce qui n'est pas toute confiance des artistes, mais qui peut être appliqué directement sur la carte n'est pas traitée ou en toile), les besoins de surface premiers à être scellé et compte tenu de la porosité. Rabbitskin colle est le plus populaire. Les directions sont données dans le paquet, mais lancer quelque chose comme ceci:

1. Utilisez une once de colle peau de lapin pour une pinte d'eau.

2. Chauffer l'eau et de colle à feu doux dans un récipient, mais ne pas faire bouillir.

3. Refroidir à la température ambiante lorsque la colle a complètement dissous: il aura la consistance de la gelée.

4. Réchauffer la taille jusqu'à ce que liquide.

5. Appliquer généreusement la taille afin qu'il pénètre dans les fibres en toile ou en bois.

6. Laisser sécher complètement: toile se rétracte un peu et être tendu dans sa civière.

Votre surface est maintenant prête pour l'amorçage.
Références

La plupart des matériaux d'art de toile offre revendeurs dans différentes tailles et qualités, mais les points de vente suivants se spécialisent:

1. Fredrix. Bonne gamme de toiles, des matériaux et des outils: au-delà de la brosse est leur guide de $ 3 à la sélection toile, la préparation et de soins.

2. Textiles pour vous. Acrylique-amorcée en toile de coton dans les 6 à 100 rouleaux de triage.

3. Gesso réel. Panneaux de qualité: lin et / ou gesso monté sur panneau de fibres, ou «bercé».

4. Utrecht Art Supplies. Très large choix de toiles, des brancards et des matériaux d'amorçage.

5. Primomart. Brosses, des accessoires et des toiles d'artiste pré-étiré et en rouleaux apprêtées et sans apprêt.

6. Toile d'artiste Allens. Fournisseurs en vrac, peut-être plus pour le paysage-peintre.

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Fournitures d'art en ligne: Pigments

Choisir les Pigments droite



Plutôt que de s'attaquer à la vaste gamme de pigments disponibles aujourd'hui, notamment à travers des fournitures d'art en ligne, les peintres seront généralement mieux progresser en apprenant à connaître un petit nombre de pigments qui répondent la plupart des exigences. Idéalement, la sélection doit être fondée sur:

1. Propriétés du pigment concerné: la teinte, les propriétés de mélange, le temps de séchage, la force de la peinture, la permanence, la transparence / pouvoir couvrant

2. Les effets indésirables de certains pigments de mélange: certains mélanges décolorer

3. coût

Certains Conseils généraux
Blancs

Le blanc de titane sèche rapidement, et est le plus opaque. Flake le blanc est la plus rapide séchage, mais se décolore s'il n'est pas protégé par de l'huile. Le blanc de zinc donne à la couleur la plus pure, mais se mélange n'est que la moitié opaque, sèche lentement et de se fissurer si elle est appliquée en couche trop épaisse.
Coloration Morte

Pour bloquer les grandes surfaces d'une toile avant de peindre plus de détails, les éléments suivants sont de couleur rapide, généralement pas cher (à l'exception des cadmiums), et ont un bon pouvoir couvrant: noir d'ivoire, blanc de plomb, rouge indien, jaune ocre, jaune de Naples la lumière , la lumière rouge de cadmium et de jaune, vert émeraude et bleu de Sèvres.
Les glaçures

Pigments dans les glaçures doivent être de couleur rapide et transparente. Vermillon hollandais, Rembrandt rose, le bleu outremer profond, Rembrandt bleu, or ocre, terre de Sienne, jaune citron, terre verte, terre d'ombre brûlée, Raw Umber et Rembrandt le vert sont les favoris traditionnels. Un grand nombre ont été remplacés par des pigments mentionnés ci-dessous. Vermillon hollandais, de citron jaune et le blanc de zinc ne sont qu'à moitié transparent.
Force Peinture Regroupés par Temps de séchage

Bazzi (voir ci-dessous) à condition que cela groupement:
Rapide

Terres d'ombre: résistant et flexible.

Aureolin: dur et irrégulier.

Terre de Sienne brûlée: dur et assez forte.

Flake dur blanc et flexible
Moyenne

Assez souple Cerulean

Raw sienna: résistant et assez forte.

Bleu de cobalt: dur et assez fragile.

Violet de cobalt: plutôt cassant.

Oxyde de fer rouge: forte

Oxyde de chrome: souple et assez dur.

Viridian: souple et assez dur.

Jaune de Naples: forte.

Quinacridones (rose permanente et magenta, rose doré) dur et assez souple
Ralentir

La terre verte: doux et souple.

Cerulean: doux et non-élastique.

Ocre jaune: assez forte.

Alizarine: doux.

Le noir d'ivoire doux et fragile

Cadmiums durs & assez souple

Titanium cassante blanche
Très lent

Le noir d'ivoire: douce

L'oxyde de zinc: dur et cassant.

Le noir de fumée: molle.
Permanence

Les essais effectués par Wilcox (voir ci-dessous) a suggéré que l'aquarelle de nombreux (et par extension de l'huile) peut être insatisfaisante - fugitive, mal mélangé, avec la diffusion des pauvres et la transparence.

Exceptions: les pigments qui valent la peine sélection de fournitures d'art en ligne - sont les suivants. (T est Talens, R est Rowney et WN est de Windsor et Newton. Sauf indication contraire, tous sont de qualité premiers artistes femmes. L'ordre n'a pas d'importance, si Wilcox préfère WN à la plus grasse T.) Regroupés par la transparence, les pigments sont recommandées :
: Couleurs transparentes

Aureolin (R et WN)

Permanent rose (WN et R)

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Peinture directe

Peinture directe


Peinture à l'huile Direct est un style populaire depuis la fin du 19ème siècle dans lequel la peinture est appliquée opaque pour couvrir complètement le sol. Peinture couramment produit par étapes, permettant de séchage entre les étapes, mais peut être complété lors de la session celle donnée l'habileté droit et les circonstances. Le blanc est utilisé tout au long, plus minces lavis dans les étages inférieurs, mais vitrage est absent.eteness: un exposé cohérent et intégré, avec tous les aspects travaillé en étroite collaboration po


Fabricants de peinture commerciales ont tendance à mettre trop d'huile dans les tubes, et de donner ensuite leur solidité de peinture en ajoutant les graisses. Vous pouvez utiliser l'article commerciale directement du tube si vous le souhaitez, mais vous obtiendrez généralement de meilleurs résultats en supprimant ces huiles et ensuite remixer les pigments avec les médias de votre choix. Retirer les huiles en épongeant avec du carton ou du papier buvard, ou en plaçant l'huile tube sur une plaque de verre, puis garder la plaque sous l'eau pendant 24 heures.

Étapes:

1. Croquis au fusain. Brossez l'excédent de suite et le croquis trace dans la peinture térébenthine éclairci.

2. Bloquer dans de vastes domaines de la couleur avec essence de térébenthine-aminci, mais lavages opaques de couleur Rework ces mouillé dans la couleur avec du blanc humide ou plus si nécessaire. Sécher si nécessaire.

3. Peindre avec plus de subtilité et en détail dans un plus gros moyen. Travail de l'étape précédente peut être ou ne pas montrer à travers.

4. Ajoutez des détails au pinceau fin et doux.
Peinture directe de Portraits

Salomon {1} a recommandé cette approche pour les portraits:

1. Dessiner avec précision dans du charbon de bois, puis un crayon à la terre d'ombre brut et essence de térébenthine.

2. Utilisez des huiles à jeter en arrière-plan dans le ton et la couleur, le grattage de suite après. Lay en masse principale des cheveux en même temps ou à la fin de cette.

3. Lay dans les masses principales de faits saillants et les ombres de chair.

4. Modèle de cheveux tout simplement.

5. Réglez trois tons chair comme l'exige.

6. La modélisation complète chair habilement et économiquement, la peinture humide en humide.
Peinture directe des paysages

Richmond {2} recommandé cette approche pour les paysages:

1. Bloquez les masses principales de charbon de bois.

2. Appliquer la peinture à peine dans les larges masses approximativement corrects en couleur, mais pas nécessairement dans le ton. Moyen peut être térébenthine ou de l'huile fine.

3. Compléter le croquis plus en détail et la subtilité, en accordant une attention à la tonalité.

4. Repeindre en studio à partir d'esquisses et de dessins.
Références

Les références des textes sont les suivants, certains maintenant plutôt daté mais intéressant de regarder dehors pour:

1. La pratique de la peinture à l'huile et le dessin. S.J. Solomon. Seeley. 1910.

2. La technique de peinture à l'huile. L. Richmond. Pitman. 1952.

3. Les matériaux et les techniques de la peinture. J. Stephenson. Thames & Hudson. 1989.

4. De l'Artiste méthodes et matériels. M. Bazzi. John Murray. 1960.

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Une brève histoire de peinture à l'huile

Histoire de l'Art: Thèmes

Les peintures sont des produits d'un certain temps et certain endroit, et histoire de l'art tente naturellement de placer ces oeuvres dans leur cadre plus large. Quiconque étudie l'art occidental, par exemple, apprendre à reconnaître les styles de la Renaissance, baroque, périodes classique, romantique et moderne, et de comprendre l'interaction complexe des questions pensée, le favoritisme, la société économique et que les peintures représentent. Il est à une telle compréhension que les critiques d'art se référer quand ils insistent pour que l'art d'aujourd'hui doit aborder les problèmes contemporains.


Pour les peintres, il ya certaines difficultés, cependant:

1. L'histoire est écrite de manière rétrospective, et il n'était pas toujours très claire pour les contemporains qui ou qui étaient les grands noms et des thèmes.

2. L'image est trop bien rangé, et ne permet pas pour le travail très différent au sein de la même période: Rubens, Rembrandt et Vermeer, par exemple.

3. Histoire de l'art est également soumise à l'évolution des modes: comparer les livres écrits dans les années 1940 à celles d'aujourd'hui.

4. Par des artistes classement selon leur importance, les historiens semblent parfois laisser entendre que seuls les grands noms offrir quelque chose d'intéressant aujourd'hui, ce qui est loin d'être le cas. Les grands artistes excellaient à certains égards, mais aussi en fondant et bâcle dans leur travail comme tout le monde. Les élèves ont besoin pour obtenir, sous les étiquettes de génie'' ', et de comprendre les discrets, les questions pratiques en cause.

5. Histoire de l'art traite de concepts qui sont nébuleux et d'une importance secondaire par rapport à l'application de la peinture. Quels sont les artistes concernés vitale - la création d'une réalité picturale qui a fourni de l'emploi, la direction et la signification à leur vie - exige une autre approche.

5. L'écriture est un exercice verbal, et les peintres penser en termes plus visuels. C'est pourquoi les artistes contemporains ne sont généralement pas lire les textes de présentation galerie ou articles de journaux: ils sont de peu d'utilité pour eux.

L'art occidental: Un développement Quatre-Fold

Bien que n'étant pas sans ses problèmes propres, et un peu trop simple, Brian Thomas {5} approche a tenté de traiter avec de la peinture comme la peinture. Il a regroupé l'histoire de la peinture européenne en quatre étapes qui se chevauchent:

Conception de la ligne

Tissé sur les relations de forme et de contour. Dominant entre le déclin de l'Empire romain et de la Renaissance. Peut-être irréaliste (Livre d'Heures) ou réaliste (gothique flamand). Lisible élément distinct de l'illusionniste. Stéréotype et non-personnelles symboles généralement employés. Décrit soulignée par les changements de couleur. Domaines remplie par le modèle. Populaire pour la narration, lorsque les caractéristiques pertinentes de la narration sont omis. La géométrie cachée important. Flowing coups de pinceau seulement dans illuminé MSS (contrairement à l'art extrême-oriental.) Développement de la fin romaine pour byzantin et du gothique n'est pas basée sur l'observation directe. Les symboles sont déformés pour effet religieux. Artistes importants figurant à la fin de la période comprennent:

Jan van Eyck. Peint directe de la nature, l'illusion de capture de l'espace et modèle de la lumière et les relations de tonalité. A travaillé par

la lumière de modélisation et de l'ombre en pigment opaque (probablement oeuf-huile)

couvrant d'un vernis plus ou moins transparente, et
travailler plus côté de la lumière et les ombres des formes demi dans les films minces de peinture opaque.

Holbein. A travaillé par:

Interprétation forme par des lignes de contour d'une grande simplicité et la subtilité. Lignes construites des lignes courtes infiniment sensibles aux changements dans la direction des plans de surface.

Alliant une mise à plat et le rendu réaliste de la qualité de surface de vêtements et de chair.

Création d'un formulaire

Impliqué dans la troisième dimension, souvent en cours d'exécution en contrepoint à une conception de la ligne ainsi. À la fois décoratif et descriptive. Des motifs complexes et subtiles constituées par imbrication des formes dans l'espace, ce qui accélère, ralentit et l'arrêt de la récession comme vous le souhaitez. Artiste étudié la nature à élucider la construction des formes dans l'espace, et de les relier rythmiquement. La construction utilise ton ou en ligne, ce dernier indiquant linéaments axiales et en coupe. Perspective aide. Les artistes pensent à la ronde. Artistes importants:

Cimabue et Duccio rénové le mode byzantine.

Giotto et Cavallini introduit la conception de formulaire. Giotto observé la nature de près et utilisée sous forme large-conception pour créer monumentales et émouvant tableaux vivants.

Masaccio distribué avec un contour raide de Giotto et utilisé une gradation tonale de placer ses personnages dans un contexte réaliste. Tonalités en raison de la couleur locale sont réprimées.

Piero della Francesca. En outre la maîtrise de la perspective - utilisé décorative, de prêter bien-fondé d'un motif de surface. Récession en sourdine et contrôlée. Les chiffres statiques.

Signorelli. Comme Masaccio, mais il a introduit une forte, la modélisation souvent overemphatic dans les deux lumières et les ombres, en exagérant la modélisation dans l'ombre en soulignant la lumière réfléchie.

Filippo Lippi et Botticelli a souligné lignes sinueuses dans minces, formes mobiles.

Pollaiuolo popularisé le nu, l'introduction de la force nerveuse dans la sculpture de Donatello.

Fra Angelico a réalistes ciel bleu dans l'usage général.

Giorgione a introduit l'atmosphère, un sentiment de la météo. Le but était de donner satisfaction durable de la contemplation prolongée, plutôt que l'émotion intense, mais passagère.

Leonardo. Variété des intérêts laisse peu de temps pour la peinture. D'importants travaux pour un. compréhension pénétrer de la construction des objets naturels, b. sensibilité à flot rythmique de formes dans la nature et c. subordination de la couleur à des gradations délicates de la lumière.

Michel-Ange. Représenté vigoureuse, l'action contrastée dans muscles de enflement et de se balancer draperies. Modélisation subtile, mais souvent figure principale silhouette dans de forts contrastes de tons.

Raphaël. Plus heureux que Michel-Ange dans l'architectonique de groupes de chiffres. Suprêmement artiste intelligent, apprendre des autres.

Corrège préfigure le style baroque. Formes lisses et arrondies, les rythmes suaves et vallonné, caressé avec un éclairage doux tout créer une ambiance - aidé par la qualité de la peinture, la tonalité, la couleur, la stylisation et le choix du motif.

Tiepolo était décorative, la création de complexes s'enchaînant de la ligne de "appartements de théâtre» et des chiffres raccourcies.

Poussin. Utilisé illustration comme un prétexte pour l'architecture picturale, parfaite en proportion et la rythmique. Le style sec, les sujets éloignés, mais il a évité la lourdeur par un. exagérer la luminosité et la lumière réfléchie dans l'ombre et b. jouer hors de forts contrastes de ton contre les subtiles.

Conception Tone

Destiné à un. créer un modèle satisfaisant à des degrés de lumière et d'ombre et de b. représentant la vérité perceptive de plus près par une certaine convention picturale qui représente la netteté variable de l'œil de la mise au point. A duré au début du 16ème début du 19ème siècle. Les artistes ont été plus préoccupés par le ton que la couleur. Lorsque cela est pertinent, comme dans la peinture vénitienne, la couleur est généralement utilisé de manière décorative. Volonté de sacrifier des détails dans les zones hors-sujet »signifiait que coup de pinceau vigoureux et pourrait libre, ajouter de la vie et de l'éclat à la peinture. Artistes importants:

Leonardo mélange décrit dans sa Mona Lisa.

Gentile Bellini et Giovani, en utilisant l'huile sur toile pour éviter l'effet corrosif de l'air marin, avait un bon sens de la qualité de la peinture qui a conduit à une appréciation des valeurs tonales.

Giorgione absorbée l'humeur poétique et l'amour des paysages de les Bellini, mais compose ses tableaux comme un tout, avec seulement détails comme cela a été nécessaire.

Titien atteint une maîtrise complète de tous les expédients de la conception ton - lentement, intuitivement, après beaucoup d'expérimentation et de tâtonnement. Il a créé un nouveau type de beauté féminine, utilisé plus riche, plus juteuse de couleur, classés selon son coup de pinceau à l'importance de ce qui était représenté, et utilisé une variété de moyens de composition, souvent de réduire la représentation à la simplicité extrême qui allait inspirer Velasquez et de Hals.

Tintoret a utilisé un éventail plus large de ton et un éclairage plus forcé.

Véronèse introduit un plus grand réalisme et somptueux, la couleur décorative

Caravage a créé un. réalisme brutal et la caractérisation vivante, b. contrastes marqués et c. humeur du drame et le mystère.

Rubens. Éclectique. Maître suprême du mouvement rythmique. Combiné avec réalisme la noblesse et de la décoration. Une grande vitalité et la créativité. Opulent couleur

El Greco. Rythmes fluides et hallucinatoire. Utilisé glaçures colorées plus monochrome.

Velázquez. Artiste consommé. Simplifié de couleur pour produire les modèles efficaces tonales. Peintre toujours efficace: interprète plutôt que crée.

Hals. Produit portraits animés par coup de pinceau vif, haute tonalité et les modes de tonalité nettes.

Vermeer. Grande sensibilité à la lumière, avec une souche de la poésie.

Rembrandt. Pris potentialités dramatiques et poétiques du Caravage à la limite. Grand sens de la forme. Artisan consommé. Compassion pour l'humanité souffrante.

Goya. Créateur. Concepteur de ton grand, mais souvent imprudente et précipitée, en utilisant le couteau et pinceau sec.

Van Dyck. Plus fébrile et hautain que Rubens: plus de raffinement et de poésie, mais utilisé une huile de noix plat qui réduit l'ampleur, la richesse et l'atmosphère de son mentor.

Watteau. Peint monde joyaux de l'imagination avec irisées, qualités atmosphériques que Van Dyck négligées. Dessins Graceful inégalées pour plus de clarté analytique.

Boucher. Scènes artificielles, de couleur légèrement acide, mais suavement classique et montrant un tact parfait artistiques.

Hogarth. Moraliste dont l'art est solidement fondée sur la conception ton baroque, avec un traitement particulièrement croustillante de la peinture.

Gainsborough. Peintre naturel. Travail est de jouer entre les films de peinture nébuleux dessinés avec la pointe du pinceau de martre et de passages osées de pinceau chargé. Peinture Thin exceptionnelle maîtrise du pinceau qui évite un mauvais aspect.

Reynolds. Excellé dans l'utilisation de ton décoratif. Couleur riche Ses discours parmi les meilleurs de la critique d'art. Manipulation de peinture fraîche était une source d'inspiration à l'agent et de l'école française, mais son expérimentation dans des matériaux est généralement malheureux.



Color Design

L'étape finale dans le cycle de réalisme pictural. Couleur avait toujours joué un rôle important dans la peinture, mais pas avant dix-neuvième siècle étaient des peintres prêts à faire des sacrifices drastiques sur ton et la délimitation précise. Harmony a été l'objet - réalisé par un certain rapport de saturation chaude et froide (rouge ou bleu biais) ou de la couleur (par exemple, un orange brillant, brun foncé, gris et rose chair tiède sont tout orange à l'état pur, réduit l'intensité sonore, désaturé et réduite en intensité et désaturé, respectivement - c.-à-orange avec rien, noir, gris ou blanc ajouté) Formulaire tendance à être perdu et intérieurs sombres ont été bannis pour les paysages lumineux.. Meilleure école de paysage était l'anglais de la première moitié du XIXe siècle - a contribué par des expériences de Rubens, des rendus atmosphériques de Poussin et de Claude et de motifs rustiques de peintres hollandais. Artistes importants:

Turner. Une connaissance inégalée du paysage dans des conditions météorologiques différentes. Maîtrise de la peinture et de l'imagination poétique.

Le gendarme. Un grand réalisme dans le dessin, la couleur et le ton, mais soutenue par des techniques de maîtres anciens.

Préraphaélites. Hectic réalisme. Sharp, dessin anguleux avec une grande précision de détail. Peint de couleurs sur fond blanc mince flocons mouillés.

Corot. Peint les zones largement grandes avec des tons très proches les uns des autres, puis partit cette subtilité avec des accents brillants de clair ou foncé croquant ajouté.

Courbet. Broad, la manipulation impressionniste avec un couteau brosse ou à la palette - conçu pour afficher la physicalité de la scène.

Manet. Adopté approche Hals, l'élaboration d'un résumé audacieux picturale dans le ton et la couleur de ce qu'il a observé. Coups de pinceau et racé pour compenser la perte de plus des techniques traditionnelles.

Impressionnistes. Beautés impitoyablement éliminés de façon linéaire ou tonal d'interpréter avec précision les couleurs de la lumière.

Seurat. Utilisée couleur brisée, placer des taches de couleur additif à fondre à une distance (jaune fait par des points de rouge et verte. Peintres traditionnellement utilisé couleur soustractive, la peinture filtrant autres longueurs d'onde)

Degas. Mordantly dessin incisif. Influencé par estampe japonaise et de la photographie.

Gauguin. Utilisez conception de la ligne de joindre des couleurs qui ressemblent à des régimes de plumage bariolé de perroquet.

Van Gogh. Couleur féroce et agité coups de pinceau pour transmettre sa perception des forces de la nature.

Cézanne. Peint directe de la nature à l'état presque mystique. J'ai essayé de concilier la couleur et en vrac par la modélisation à l'aide de dégradés de couleurs entièrement, plutôt que par le ton. Recherché harmonie dans une articulation logique des plans.

Twentieth-Century Developments

Au début du XXe siècle, cette évolution quadruple avait suivi son cours, laissant les artistes sans évidente avenue pour le développement (ni un véritable rôle dans la société). L'École de Paris a donc choisi l'expérimentation, la production de travaux avec les caractéristiques suivantes:

L'accent mis sur la décoration à la charge des éléments de représentation et de narration.

Le retour à la conception en ligne.

L'utilisation de belle couleur et d'audace

Influences absorbé par Negro, l'enfant et de l'art fou.

Manipulation simplifiée de la peinture au point de crudité pour atteindre la force et l'intensité plutôt que la précision ou l'élégance.

Malheureusement, cet art pourrait souvent être négligée dans l'exécution, et très maniérée, ses styles ne se développe pas à exprimer ou représenter un certain aspect du monde visible tant que imposé arbitrairement - c.-à-conçu pour montrer que le travail était agressive "moderne".
Art contemporain

Bien que difficile à définir ou caractériser, le postmoderne terme est habituellement utilisé pour envoyer des styles qui employaient 1950 techniques modernistes dans une humeur taquine de l'engagement avec la société. Le travail est généralement éclectique, commerciale et grandes entreprises, souvent grandiose. Société, en particulier la société bourgeoise, peut être critiqué, mais pas de programmes pour un changement radical sont recommandées: perspectives et des philosophies devraient coexister dans un monde pluraliste. Aspects du monde contemporain se retrouvent - le relativisme, le manque d'autorité ou de consensus, l'embarras de richesses intellectuelles, le consumérisme.

Mais si l'art tend à être populiste, il est aussi très conscient de ses pedigrees. Il peut mélanger les styles internationaux, ou peut être plus puriste, mais il fait peu de concessions à son public. La musique sérielle et la peinture abstraite, par exemple demander à être acceptés pour ce qu'ils sont, et aux artistes qui ont besoin de mesure du réseau de galeries-critique-musée de vendre leur travail, ils ont aussi besoin d'avoir leurs créations entourée et soutenue par un échafaudage théorique. Il n'est donc pas par la technique, des compétences, de formation ou rien à voir avec l'exécution ou l'exécution que l'importance doit être atteint, mais par la conception - l'originalité soit d'inspiration, ce qui est la seule chose unique à l'individu. Artiste formellement formés souvent utiliser leurs compétences pour supprimer les preuves de cette formation par la peinture d'une manière superficielle et maladroit.

Inévitablement, la grande masse de la critique d'art tend à devenir de promotion, d'auto-référencement et prétentieux. Les actes mêmes de critiques dans l'identification des oeuvres comme "abstrait-expressionniste», «minimaliste», etc est destiné à conjurer des questions mal informées quant à leur valeur: l'étiquetage protège de la critique. Artistes réalisent qu'ils ont besoin de se placer dans un arbre stylistique reconnu par l'establishment artistique, et de poursuivre ensuite dans un manière personnellement distinctif des préoccupations les plus en vogue. Les préoccupations ne sont pas essentiellement différents de ce qui a toujours des artistes intéressés - la profondeur de couleur, l'équilibre, la cinétique, modèle, geste, la texture, etc -, mais sont poursuivis de manière plus intransigeants et single-minded.

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Peinture: art et esthétique

Pourquoi avons-nous besoin de la Théorie de l'art?

La peinture a deux aspects, la source d'inspiration / conceptuelle / esthétique et l'artisanat. Les deux sont nécessaires si le travail est d'aller à plaire à l'observateur averti. Ils sont aussi interdépendants. De nouvelles techniques d'encourager de nouvelles perspectives, et vice versa.

Art esthétique est la philosophie de l'art, et cherche naturellement à arriver à des déclarations au sujet de la représentation, une forme cohérente, l'expression émotive et la finalité sociale qui sont universellement vrai, indépendamment du contexte et haut-parleur. Malheureusement, cette généralité même signifie que l'esthétique peut souvent être utilisée pour justifier un morceau très douteux de travail.




Mais l'esthétique n'est pas l'examen, et la critique d'art encore moins. La critique se demande: Comment est-ce l'effet obtenu? Quelle est l'importance est-il? Comment se comparent-ils à des travaux similaires? La critique est une tâche ardue, et nécessite des compétences de connaissances, de sensibilité et de l'exposé. Révision est plus éphémère, et vise principalement à divertir. Compétences journalistiques sont essentiels, mais ils ne sont généralement pas déstabiliser ou d'étendre notre appréciation des œuvres d'art. En effet, les pressions de l'emploi nécessite souvent l'examinateur d'accepter simplement l'importance de l'exposition, et il recommande à la population.

Cela ne veut pas faire de critiques sincères, ni nécessairement fiables. La plupart auront un ou deux degrés dans l'histoire de l'art, et en savent beaucoup plus sur les même vieux maîtres que le spectateur galerie moyenne, peintres inclus. Mais cela veut dire, pour rester en tête dans une profession notoirement concurrentiel, que les examinateurs doivent toujours se préoccuper de tendances, des modes et des personnalités.

Il est en formant un socle théorique pour le monde complexe et en constante évolution des arts visuels, que l'esthétique devient important. Revoir repose en définitive sur la critique d'art, et ce, à son tour les sondes motifs esthétiques de notre jugement.
Importance pratique de l'esthétique Art

Pour le peintre pratique, une connaissance hochant la tête avec l'esthétique d'art aidera à:

1. Fournir un vocabulaire nécessaire pour décrire ou la promotion du travail entre les collègues et les commentateurs. Pour en savoir esthétique est de comprendre d'où la critique branchée vient de - et ainsi de s'engager avec elle ou de préparer une défense.

2. Expliquez leur travail à eux-mêmes. Peintres pense à travers la peinture, mais encore ils ont besoin de temps en temps prendre du recul et de voir leur travail dans le contexte plus large de l'art européen.

3. Repenser leurs buts et intérêts. L'esthétique de l'art contemporain, bien que reposant sur un terrain conflictuel, fournissent généralement plus de la suggestion et l'inspiration de l'abstrus mot-filature de revues d'art.

4. Mieux comprendre l'art du passé, qui est éclairée par des théories qui peuvent désormais sembler étrange, mais peut être modifié pour des préoccupations contemporaines.

5. Servir comme un prophylactique contre l'. Absurde et abrutissante, le rétablissement d'une solide tradition à laquelle appartiennent tous les artistes

6. Proposer de nouvelles avenues de développement, qui peuvent combiner des techniques passées avec de nouvelles perspectives.

Les théories esthétiques

Théories esthétiques peut être approché à partir de nombreuses directions. Voici une introduction simpliste, pointant vers le haut les noms que les téléspectateurs pourraient souhaiter faire des recherches dans des livres ou sur Internet.
Artiste-Centered Philosophies

Dewey et intentionnalistes autres considéré l'art comme le produit d'un processus créatif. L'intention consciente de l'artiste était important, tout comme son interaction avec le milieu. Tolstoï a vu l'art comme la transmission de l'émotion, mais il voulait sans doute dire la capacité à susciter des émotions chez le spectateur car il n'y a pas de correspondance simple entre une peinture et comment le peintre a ressenti en le peignant. Bouwsma situé expression au sein des objets, qui représentent les caractéristiques des personnes en vertu de certaines émotions, comme des saules pleureurs imiter la douleur.

Langer ressenti ce sentiment se dégage de la forme, qui sont des idées de sentiments, pas des sentiments eux-mêmes. Art symbolise l'expérience humaine. Parce que l'art était essentiellement une activité irrationnelle, une expression de l'émotion irresponsable, Platon interdit poètes de sa république. Aristote n'était pas d'accord, répondant que l'art était une activité naturelle, et il a servi de catharsis une fonction thérapeutique. Croce pensait l'élément crucial dans une œuvre d'art était l'idée à l'esprit de l'artiste.
Viewer théories axées

Certains philosophes ont souligné le goût, qui est une clairvoyance particulière et de la sensibilité. Préoccupations quotidiennes sont mis de côté en ces occasions, et nous n'avons pas appeler la police quand on voit assassiner sur la scène, par exemple. Feagin pensé que nous sentons le plaisir d'être en mesure de répondre de cette manière. Iseminger a estimé que la tristesse existe simultanément avec le plaisir. Bullough parlé underdistancing et se overdistancing d'une exécution ou œuvre d'art. Contre une vision esthétique, Dickie a fait valoir que les téléspectateurs tout simplement regarder les choses différentes, c'est à dire plutôt que de regarder différemment.

D'autres se sont concentrés sur les qualités formelles d'une œuvre d'art. Nous assistons différemment à des choses comme la couleur, le rythme et la composition, mais attendez-vous à grandir de l'intérieur plutôt que d'être imposée de l'extérieur. L'expérience esthétique semble immédiate, d'ailleurs, sans passer par la pensée, si Goodman pensé que même ici, les émotions fonctionné cognitif.
Philosophies de représentation et d'expression

La plupart des philosophes d'accepter que la représentation n'est pas la ressemblance. Gombrich a soutenu que la représentation visuelle consiste à manipuler des signes, de sorte que le langage de l'art est plus qu'une métaphore lâche. Signes ont une histoire, une tradition: ils doivent être apprises. Panofsky estime que les icônes de l'art peuvent être étudiés sur trois niveaux: iconique (le chien ressemble à un chien), l'iconographie (chien est synonyme de fidélité), et iconologique (certains prétendent métaphysique sur la réalité du monde physique). Goodman a rejeté la théorie de la ressemblance, mais ont préféré un denotion: symboles utilisés dans la peinture peut être arbitraire et conventionnel, mais en regardant la peinture signifiait démêler un code.
Philosophies d'objets artistiques et leurs contextes

Philosophes formalistes ressortir les propriétés intrinsèques de l'œuvre d'art plutôt que ce qu'elle représente, si la défense de l'art moderne contre les critiques qu'il ne représente pas le monde tel qu'il apparaît vraiment. Néanmoins, de nombreux tableaux ne représentent certains aspects de la vie ou de transmettre une attitude ou un message, et il est inutile de supposer qu'ils ne le font pas ou n'étaient pas destinées à. Questions de contenu.

Philosophes marxistes voir l'art comme produit dans certaines conditions sociales et soutiennent qu'il doit être vu en termes de ces conditions. Berger pense que peintures à l'huile sont des produits qui représentent une société consumériste. Benjamin a également estimé que la culture l'art miroirs.

Institutionnalistes comme Dickie a souligné que l'objet devient une œuvre d'art lorsque la société ou des sections reconnues de la société confèrent ce statut à ce sujet. Cohen ne vois pas les rituels de conférer n'importe où, et Wollheim n'a pas pu trouver des raisons pour une telle attribution. Danto a introduit le monde de l'art terme, mais a déclaré que le candidat doit se conformer à une théorie sur ce qu'est l'art.

Les structuralistes affirment que les oeuvres ont leurs propres structures, mais que ceux-ci reflètent également les structures de la société dont ils sont originaires. Déconstructionnistes affirmer que, bien au contraire, nous n'avons tout simplement pas avoir accès à tous les contextes nécessaires à la compréhension de l'art et l'expérience esthétique. Ils essaient de mettre en évidence les principes idéologiques à l'œuvre dans les textes et les paroles, et de réfléchir sur le pouvoir inhérent dans les états artistiques et autres.
Les philosophies de l'interprétation

Comment pouvons-nous savoir si une interprétation est bonne, ou même correcte? Peut-être nous ne pouvons pas savoir avec certitude, en particulier les intentions d'un artiste peu connu maintenant mort depuis longtemps, mais nous pouvons dire des résultats d'interprétation qui en plus ample, plus riche expérience esthétique. Ellis pense que la meilleure critique a été le plus inclusif. Les téléspectateurs ne peuvent pas être motivée dans le plaisir, il est noing valeur, seules raisons suggérées pour le plaisir déjà éprouvé.
Philosophies de la valeur

Tolstoï était un moraliste: l'art a eu pour nous aider à mieux vivre. Ceux qui ont lu les bons romans ou regardé bonnes peintures étaient plus capables de se mettre dans la peau d'autres personnes parce qu'ils comprennent mieux les habitants et leur monde. Art nous a rendus plus sensible et imaginatif. Eaton propose une distinction. L'expérience esthétique est une expérience des caractéristiques intrinsèques de choses ou des événements traditionnellement reconnus comme dignes d'attention et de réflexion. La valeur esthétique est la valeur d'une chose ou un événement a fait de sa capacité à évoquer les plaisirs associés à son attention et de réflexion.
Fonction traditionnelle de l'art

En acceptant que les arts ont une. s'il vous plaît l'oeil, b. clarifier, d'intensifier ou autrement élargir notre expérience de la vie, et c. agir comme témoin à la nature des temps et des lieux qui les produisent, nombreux sont ceux qui résument les fonctions de l'art comme:

1. Peinture sont des représentations de la réalité qui donnent l'ordre, la valeur et la signification à des objets ou des scènes représentées.

2. Les objets et les scènes deviennent disponibles sous cette forme par l'intermédiaire de l'inscription.

3. Les objets et les scènes sont eux-mêmes de l'intérêt visuel - à la fois à travers des tableaux précédents, et les lieux de la société de valeur sur les soi. Le contenu et le rendu sont importants.

Peinture traditionnelle Aujourd'hui

Peinture directe était une innovation du XIXe siècle, rendu possible par les nouvelles technologies et imposé par un rétrécissement du marché du travail à forte intensité de matières premières. Peinture pourrait être stocké dans des tubes métalliques, et en travaillant à l'extérieur, ou sur des sujets contemporains, l'artiste pouvait échapper au système Académie étouffante. Dans le même temps, parce que les classes moyennes émergentes n'avait pas l'argent pour élitiste fabrique, ni peut-être le loisir d'acquérir une grande connaissance de les apprécier, il a grandi naturellement une classe de critiques d'art de suggérer comment ils pourraient recueillir ces œuvres d'amitié et de modestes de l'art. Les mécaniciens de la peinture n'est pas un sujet passionnant pour écrire, et les critiques d'art ne sont pas généralement des artistes de toute façon, sauf peut-être des artistes littéraires, de sorte que les qualités picturales étaient susceptibles d'être négligés. Originalité de la conception, l'authenticité d'expression, l'audace de la démarche - voilà ce qui a capturé l'imagination des critiques intelligents, et pourrait être lié à des thèmes plus vastes. Toute l'histoire de l'art moderne permettra de présenter les batailles et les perspectives changeantes qui mènent à l'art-monde que nous connaissons aujourd'hui. Le processus est terminé, et une grande partie de l'art est devenu le jouet de ses commentateurs. Les compétences traditionnelles ne sont pas reconnus dans la presse nationale, qui rapsodizes plus des installations, des sculptures du paysage et ainsi de suite.

Peu de gens peuvent se prendre en charge entièrement par la peinture traditionnelle: ils enseignent, recevoir de l'aide de leur conjoint ou d'exécuter d'art des magasins. Mais s'ils ne peuvent pas payer leur chemin dans une société consumériste, ils aiment à penser que leurs réalisations en valent la peine, qu'ils produisent quelque chose d'utile et qui leur compagnons de pratique peut admirer. Que peuvent-ils faire quand leurs efforts ne recevra jamais approbation d'un établissement qui adore l'art à d'autres sanctuaires? Ou quand ils ne seront jamais achetés par les grandes institutions ou sociétés qui par la manipulation des fonds publics doivent être guidés par ces autorités?

Ils doivent créer un nouveau public de leurs œuvres, tout comme les impressionnistes et Modernes ont fait avant eux. Cela signifie que le retour à la peinture comme la peinture, la réappropriation de ses objectifs à partir d'une intelligentsia dont la puissance réside dans la manipulation des concepts qui empiètent qu'accessoirement sur les objets d'art. Pas de magie-à-dire permettra à la critique d'art de dire le bien du indifférents dans la peinture. Cette capacité provient d'un amour profond du sujet, soutenu par des années d'expérience à la recherche et de première main. Le bon critique ne sait pas seulement ce qui est bon et mauvais dans un tableau, mais la façon dont le mal ne peut être mis à droite. Un bon départ pour que la connaissance est fourni par l'expérience de la peinture, plus particulièrement avec les méthodes des maîtres établis qui se sont rencontrés des problèmes pratiques avec des solutions pratiques.

Peinture à l'huile revitalisé ne sera pas un art du passé. Il ne devrait pas être académique, où une finition omniprésent et l'attention au détail qui rend le travail trop serré et l'auto-conscience. Les grands maîtres étaient novatrices en leur temps, et doit donc être l'artiste contemporain. Mais ce que les artistes graves pourraient utilement faire est de réexaminer les méthodes passées de peinture à l'huile. Ils ne sont pas limitatifs dans le thème. Ils n'empêchent pas l'originalité. Et ils ne sont pas toujours beaucoup de temps. Titien peut avoir été un travailleur lent, mais ses démarches ont été simplifiées pour l'exécution rapide du Tintoret et de Véronèse, qui avait appuyant sur commissions à remplir. Quelque chose de semblable pourrait être réalisé par des artistes contemporains, et des œuvres créées qui méritent d'être conservés précieusement. Depuis tous les travaux d'origine est difficile à vendre dans un premier temps, jusqu'à ce que promu par les critiques et les galeries d'art, il ya tout intérêt à peindre deux toiles remarquables en place de dix celles plutôt indifférents, et de parvenir à cette fin plus facilement avec les techniques variées et puissante de peintres antérieurs.

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Techniques de peinture à l'huile: Vitrage

Vitrage était une partie importante de matériaux anciens et les techniques, gérés notamment par Titien. Bien que l'absence de la peinture directe, et donc négligée par de nombreux peintres contemporains, émaux permettent photos à être construit avec soin, et la couleur finale ou les déséquilibres sonores à corriger. Ci-dessous sont des recettes typiques pour émaux et vernis de retouche.


Les ingrédients ne sont pas chers, et vous devriez essayer de leur effet avec des pigments différents, en notant:

1. Manipulation des propriétés

2. Les temps de séchage

3. Issu d'arrivée.


Les glaçures

Il ya une importante controverse entre les autorités quant à ce qui fonctionnera le mieux émaux, et qui sont les plus sûres. Expérience.

Moyen n ° 3 (vernis Damar et l'huile de lin.)

N ° moyenne 4 (vernis Damar, soleil épaissi huile de lin et de térébenthine de Venise.)

Moyen n ° 5 (stand d'huile / soleil épaissi huile, de vernis Damar et essence de térébenthine.)

Moyen n ° 11 (térébenthine de Venise et de l'huile de lin.)

N ° moyenne 13 (lourd, le soleil épaissi huile de lin, essence de térébenthine de Venise et essence de térébenthine.)

Moyen n ° 16 (vernis à l'huile de copal n ° 7, l'huile de peuplement dense et de la térébenthine.)

Moyen n ° 17 (n ° vernis à l'huile de lin copal 7 et / huile de pavot.)

N ° moyenne 20 (cire d'abeille, de vernis Damar, soleil épaissi huile de lin et essence de térébenthine.)

Vernis à retoucher

Notez que les vernis ne doit pas être appliquée au plus tôt six mois après la fin de la peinture. Également que les vernis de copal ne sont pas faciles à enlever.

Vernis Vernis n ° 1 (grumeaux Damar et la térébenthine. Appelé vernis Damar ci-dessus.)

N ° Vernis 7 (grumeaux Copal et l'huile de lin.)

N ° Vernis 3 (grumeaux Copal, essence de térébenthine et.)

N ° Vernis 10 (vernis Damar n ° 1 et n ° vernis cire 20.)

Vernis n ° 11 (vernis Damar n ° 1, la cire d'abeille et de térébenthine.)

N ° Vernis 14 (vernis Damar n ° 1, le soleil épaissi huile de lin et essence de térébenthine de Venise.)

N ° Vernis 17 (térébenthine de Venise et le soleil-épaissi huile de lin.)

N ° Vernis 21 (cire d'abeille et de térébenthine.)
Références

Consultez les sites Web énumérés pour les matériaux et les techniques de peinture à l'huile, mais notez que les vitrages est mieux couverte par des œuvres plus anciennes, dont celles-ci peuvent être le plus utile:

1. Cad-Rouge. Informations utiles sur les huiles, les pigments et la façon de préparer des peintures et des toiles.

2. Peintures Kama. Démonstrations en ligne sur la façon de faire les peintures à huile.

3. Windsor & Newton. Les informations de base mais elle est utile de leur gamme de produits, ainsi que quelques conseils de peinture.

4. Art Supplies. Essentiellement matériel pour les artistes mais aussi des recettes et des listes de sélectionnés

5. Les artistes femmes Manuel de matériaux et les techniques par Ralph Mayer. 5e édition. Viking Press. 1991.

6. Ce que chaque artiste doit savoir à propos de David Pyle. Krause Publications. 2000.

7. Les matériaux de l'artiste et de leur utilisation dans la peinture par Max Doerner. Livres de récolte. 1984

8. Formules pour Peintres par Robert Massey. Watson-Gupthill. 1980.

9. De l'Artiste méthodes et matériels. M. Bazzi. John Murray. 1960.

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